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Il y a une grande variété de styles de danse au Canada et dans le monde. Voici une introduction à plus de quarante styles de danse traditionnels et classiques que vous verrez peut-être sur scène et que vous aborderez en furetant les Artsvivants.ca. Nous présentons vingt-quatre styles, ainsi que des informations additionnelles sur des variations de certaines de ces formes. La majorité des styles ci-dessous relève de la danse théâtrale, qui a pour but premier la présentation publique. D’autres styles ont un rôle social plus général mais s’adaptent néanmoins au format du spectacle.
Information connexe : apprenez sur le pourquoi de la danse.
Pour en savoir plus sur ces styles et sur d’autres, explorez les Artsvivants.ca, rendez-vous à votre bibliothèque municipale et surtout, allez voir la danse en spectacle!
Le baladi, aussi appelé raqs sharqi, est traditionnellement une danse solo pour femme. Provenant de l’ère pré-Islamique, ce style de danse du Proche-Orient était jadis enseigné par la famille et présenté lors de fêtes. Dans les cours islamiques du 10e et du 11e siècle, et dans les cours de l’empire ottoman du 18e siècle, le baladi est devenue une forme classique plus codifiée. Reconnu par les mouvements de hanches sinueux et rythmiques et les mouvements ondulants des bras, le baladi est populaire dans les cabarets depuis le 19e siècle. Depuis les années 1970, les formes traditionnelles connaissent un essor parmi les danseurs amateurs et professionnels.
L’Arabesque Dance Company présente des danses du Proche-Orient, y compris le baladi. (Site Web en anglais.)
Le ballet est un style de danse théâtrale qui a une technique codifiée. Issu des productions de la cour à la Renaissance, le ballet connaît un essor lors du règne de Louis XIV, qui met sur pied l’Académie Royale de Danse en France en 1661, où Pierre Beauchamps établit les cinq positions des pieds.
Parmi les jalons importants au 19e siècle, il y a le travail de pointe (l’équilibre sur le bout des orteils), et l’émergence de la première danseuse ou danseuse étoile, représentée par Marie Taglioni et Fanny Elssler. À la rencontre des 19e et 20e siècles, la Russie devient le centre de productions et de spectacles de ballet grâce au travail des artistes novateurs Serge Diaghilev, Anna Pavlova, Vaslav Nijinsky, Marius Petipa et Michel Fokine. Depuis, le ballet est présenté sur des scènes et dans des écoles de danse partout dans le monde.
Le ballet s’impose au Canada quand les écoles de danse envoient les groupes d’interprètes aux six festivals Canadian Ballet qui ont lieu entre 1948 et 1954. La première compagnie professionnelle au Canada, le Royal Winnipeg Ballet, est mise sur pied en 1939. Le Ballet national du Canada est fondé en 1951, suivi en 1955 par Les Ballets Chiriaeff, qui devient Les Grands Ballets Canadiens en 1957, renommé, par après, Les Grands Ballets Canadiens de Montréal.
Depuis ses débuts dans les années 1600, le ballet se diversifie. Voici quelques styles parmi les nombreux qui existent :
Consultez aussi les rubriques ballet classique et ballet romantique.
Le break dance, une danse solo athlétique, provient des rues des États-Unis. Le vocabulaire de base du break dance compte le « top/up rock », le « breakdown », le travail de pied, le « freeze », ainsi que les tours acrobatiques et les « power moves ». Le « body popping », une série de gestes rapides traversant le corps qui alternent avec des suspensions, crée un effet robotique.
Afin de connaître un succès, le b-boy ou la b-girl (l’appellation des interprètes du break dance), doit pouvoir improviser en se servant du vocabulaire de base pour créer un style personnel, un « freestyle ». La culture du break dance accorde une grande importance à la compétition, ou le « battle ». Les danseurs s’affrontent soit en tête-à-tête, c’est-à-dire qu’un interprète est en compétition directe avec un autre, soit en compétition de group ou « crew battle », c’est-à-dire qu’une équipe travail ensemble, réunissant les improvisations solo et les chorégraphies de groupe. Transposer la danse de rue sur scène présente un grand défi, soit celui de préserver un esprit de spontanéité et d’improvisation.
Consultez aussi la rubrique hip hop.
Le butoh décrit un art de la scène contemporain et révolutionnaire issu du Japon dans les années 1950 et 1960 dans l’après-guerre de la Seconde Guerre mondiale. Tatsumi Hijikata et Kazuo Ohno sont les principaux auteurs du butoh. Renonçant à la danse occidentale et aux danses classiques japonaises, les premiers artistes du butoh cherchaient une forme d’expression primale. Typiquement, l’interprète de butoh est à moitié nu, couvert de maquillage blanc et il a la tête rasée; il préfère des mouvements extrêmement lents. Sankai Juku est une troupe de butoh japonaise de la deuxième génération qui fait des tournées internationales.
À Vancouver, Barbara Bourget et Jay Hirabayashi de Kokoro Dance présentent des pièces inspirées du butoh. (Site Web en anglais.)
La capoeira est simultanément un art martial et un style de danse du Brésil, caractérisée par des manœuvres de combat acrobatiques et des pas de danse athlétiques. Elle est désignée un sport national au Brésil, où elle est enseignée à l’école et présentée en spectacle comme compétition entre adversaires. Jadis dansée uniquement par les hommes, la capoeira est maintenant ouverte aux femmes. Le style exerce une influence considérable sur certaines créations en danse moderne.
La danse à claquettes a été vue pour la première fois aux États-Unis à la fin du 19e siècle. Le nom vient du son que produisent les petites plaques de métal attachées sous les chaussures du danseur. Grâce au rythme enjoué et rythmique qu’il exécute, l’interprète est non seulement danseur, il est aussi percussionniste. En solo, il y a souvent une section improvisée dans la danse à claquettes, qui peut être comparée à un solo d’un percussionniste de jazz. Les danseurs à claquettes sont reconnus pour leur « voix » ou leur style de claquettes distincts. Le Canadien William Orlowski est un danseur de claquettes renommé.
La danse aérienne se rapporte à une production théâtrale interprétée par un danseur suspendu en l’air grâce à de l’équipement comme de la corde, un long morceau de tissu, un harnais ou un trapèze. Contrairement au cirque, la danse aérienne donne la préséance à la vision artistique plutôt qu’à la virtuosité des manœuvres.
La compagnie Aeriosa Dance se retrouve souvent dans des environnements en hauteur inattendus, voire les toits de gratte-ciel. (Site Web en anglais.)
La danse africaine regroupe de nombreuses danses traditionnelles et modernes, ainsi que de nombreux styles différents à travers le continent. En Afrique, la danse est intimement liée à la musique, au mime, au conte, au costume et au rituel. Traditionnellement, les enfants africains, qui apprennent à jouer le tambour et à danser dès qu’ils apprennent à marcher, participent à des cérémonies publiques auprès des adultes. Souvent, un dialogue « appel et réponse » se déroule entre danseurs, percussionnistes et spectateurs. Ainsi, toutes les parties sont essentielles à l’événement dansé.
Les racines de la danse afro-caraïbe proviennent et de la danse africaine, et des influences multiculturelles de la danse des Caraïbes, voire des peuples africains, chinois, espagnols, sud asiatiques et indigènes des Caraïbes. La danse afro-caraïbe est typiquement joyeuse et libre, et elle est souvent accompagnée de musique des Caraïbes, de la Jamaïque, du highlife, du jazz ou du soul. Aux débuts des années 1930, l’afro-américaine Katherine Dunham a mis sur pied une compagnie de danse moderne très influencée par la culture afro-caraïbe.
Patrick Parson de la compagnie Ballet Creole crée des danses afro-caraïbes contemporaines. (Site Web en anglais.)
La danse azerbaïdjanaise puise ses racines dans les diverses cultures de la région. Limitrophe à la Russie, à l’Arménie et à l’Iran, l’Azerbaïdjan tient une riche tradition de danses folkloriques pour les hommes et les femmes. Ces danses mettent l’accent sur l’expression, l’ambiance et, à l’occasion, les thèmes animaux. Elles sont souvent accompagnées de musique d’instruments à vent et de percussions.
La Sashar Dance Company présente de la danse azerbaïdjanaise. (Site Web en anglais.)
Il y a de nombreux styles différents de danse brésilienne dans chaque région du Brésil. La danse brésilienne est souvent influencée par les danses et cultures africaines. L’ardente samba brésilienne et son importance au carnaval annuel sont reconnues internationalement. La danse au Brésil est intimement liée à la spiritualité et est influencée par des religions telles que le Batuque, communément appelé Candomblé.
Consultez aussi la rubrique capoeira.
Au Canada, le Newton Moraes Dance Theatre présente une fusion de danse brésilienne et de danse contemporaine.
La danse chinoise peut être divisée en deux grands styles : minjian wudao (danse folklorique) et gudian wudao (danse classique). Les danses folkloriques recourent à des éléments de théâtre dont le mime et le jeu, et illustrent souvent un court récit. La danse classique d’aujourd’hui est une interprétation contemporaine de la danse ancienne, basée sur la connaissance et la compréhension du vocabulaire de celle-ci.
Un troisième style de danse chinoise est le minzu wuju (danse dramatique nationale), qui met en scène de nouvelles chorégraphies qui réunissent les vocabulaires de la danse chinoise et de la danse occidentale. Parfois, cette danse reflète des événements historiques ou contemporains. The Magic Lantern et The Butterfly Lovers sont deux exemples de minzu wuju.
Danse contemporaine est souvent, au Canada, un terme interchangeable avec danse moderne. Cependant, pour certains, la danse contemporaine désigne précisément la danse issue de la danse moderne mais qui s’éloigne du mouvement moderniste des arts des années 1930.
Rencontrez les artistes : Apprenez sur de grands artistes de la danse moderne et contemporaine mis en vedette sur les Artsvivants.ca.
Regardez des interviews avec des artistes de danse contemporaine, y compris Édouard Lock, Ginette Laurin, Louise Lecavalier et les directeurs artistiques de The Holy Body Tattoo, Noam Gagnon et Dana Gingras.
La danse coréenne se divise en danse traditionnelle de la cour, en danse folklorique et rituelle, et en danse moderne. Les danses de la cour sont lentes, altières et élégantes avec des gestes retenus et équilibrés. Les danses folkloriques comptent la danse et la musique des agriculteurs et les danses-théâtres masquées, tandis que les danses rituelles incluent les danses confuciennes et bouddhistes.
De nombreuses danses traditionnelles ont été perdues durant l'époque coloniale japonaise et les premières années chaotiques de la République. À partir des années 1980, l'intérêt pour ces danses revient et le gouvernement désigne plusieurs danses de la propriété culturelle intangible , et les interprètes des danses des trésors culturels humains.
En Corée, la danse moderne a vu le jour dans les années 1920. Depuis les années 1980, influencée par la danse coréenne traditionnelle, ainsi que le ballet et la danse moderne de l’occident, la danse moderne coréenne connaît un essor.
Les Premières Nations de l’Amérique du Nord jouissent d’une riche tradition de danse. Les danses, presque toujours indissociables des chansons ou de la musique qui les accompagnent, varient beaucoup selon la tribu, l’emplacement géographique de la tribu et le but pour lequel elles sont dansées. Voici quelques styles de danses des Premières Nations.
La danse jazz a été créée par des Afro-américains aux États-Unis au début du 20e siècle. Elle s’inspire de rythmes et de techniques africains, de techniques notamment d’isolation des parties du corps en mouvement. Le nom jazz est employé tout d’abord lors de la Première Guerre mondiale, et dès les années 1920, le jazz est adopté par la société. Sa présence sur film, à la télévision et à Broadway assure un grand public fidèle. Une des premières instances de danse jazz théâtrale est le ballet Slaughter on Tenth Avenue (1936) de George Balanchine. Katherine Dunham et Bob Fosse étaient des chorégraphes américains chefs de fil de la danse jazz.
Decidedly Jazz Danceworks, de Calgary, Alberta, mis sur pied en 1984, est un important promoteur de la danse jazz.
La danse moderne se rapporte le plus souvent à la danse théâtrale du 20e siècle qui prend forme aux États-Unis et en Europe. En réaction contre le ballet classique, les précurseurs de la danse moderne commencent à pratiquer la « danse libre », souvent nu-pieds. Aux États-Unis, Loie Fuller, Isadora Duncan et Ruth St. Denis ont mis au point leur style de danse libre, ouvrant la voie pour les pionniers de la danse moderne Martha Graham, Doris Humphrey et José Limón. En Europe, Rudolf von Laban, Émile Jaques-Dalcroze et François Delsarte ont élaboré des théories du mouvement du corps et des méthodes d’instruction qui ont donné lieu à la danse moderne et expressionniste européenne.
Présentement, le terme danse moderne est parfois synonyme du terme danse contemporaine. Cependant, selon certains, la danse moderne est uniquement la danse qui adhère au mouvement artistique du modernisme des années 1930; toute la danse qui vient après, à partir de ces racines, consiste en la danse contemporaine. Consultez aussi la danse post-moderne.
La première compagnie de danse moderne établie au Canada est Winnipeg’s Contemporary Dancers, fondée par Rachel Browne en 1964. Quatre ans plus tard, Patricia Beatty, David Earle et Peter Randazzo ont mis sur pied Toronto Dance Theatre afin de promouvoir la danse moderne au Canada. Il y a maintenant des centaines de compagnies de danse moderne au pays.
Rencontrez les artistes : Apprenez sur des artistes renommés de la danse moderne et contemporaine mis en vedette sur les Artsvivants.ca.
Contrairement au chorégraphe de ballet, qui travaille souvent à partir d’un vocabulaire fixe, le chorégraphe de la danse moderne explore son style de mouvement, crée des mouvements au fur et à mesure et les apprend à des interprètes. Parfois, cela entraîne l’élaboration d’un style ou d’une technique précise. Voici des techniques de plusieurs des premiers chorégraphes de la danse moderne :
La danse sud asiatique, ou la danse indienne, peut être organisée en trois catégories : classique, folklorique et moderne. Les styles classiques sont parmi les styles les mieux préservés et les plus anciens du 21e siècle. Les cours, les temples et la tradition de l’enseignement de guru à élève ont assuré la pérennité de l’art. Dans les régions rurales, la danse folklorique demeure une expression du travail et des rites quotidiens des communautés villageoises. La danse indienne moderne, un produit du 20e siècle, est un alliage créatif des deux premiers styles, qui compte des mouvements libres et des rythmes improvisés qui cherchent à exprimer les nouveaux thèmes et les nouvelles impulsions de l’Inde contemporaine.
Aujourd’hui, la danse classique a quitté les temples et les cours; elle est présentée régulièrement sur scène en Inde et dans le monde. Il y a neuf écoles distinctes de danse classique indienne au 21e siècle. Les voici :
La danse ukrainienne aujourd’hui est typiquement enlevante et virtuose. Elle découle de la danse folklorique ukrainienne traditionnelle. Les hommes improvisent de façon compétitive des grands sauts ainsi que des coups de jambes dans une position accroupis, tandis que les femmes dansent des pas lyriques et élégants.
Le Canada compte de nombreuses troupes de danse ukrainienne, y compris Shumka et Volya Ukrainian Dance Ensemble, les deux basées à Edmonton, Alberta. (Sites Web en anglais.)
Le flamenco découle de cante ou chansons d’Andalousie, Espagne qui expriment les bénédictions et les difficultés quotidiennes. Le flamenco se distingue par un travail de pieds percutant et très nuancé, une colonne bien droite avec le haut du torse qui se cambre à l’occasion, et des bras tenus dans de longues lignes courbes qui cadrent le corps. La danse dégage simultanément la force, la tendresse, l’urgence, la fierté et la résilience. Au départ, les gens dansaient le flamenco dans les rues, les cafés et les maisons lors de festivités comme les anniversaires et les mariages. Il est encore dansé dans ce contexte même si, depuis le 20e siècle, il devient populaire dans les présentations théâtrales.
Les compagnies Esmeralda Enrique Spanish Dance Company de Toronto, Flamenco Rosario de Vancouver et Los Flamencos de Montréal présentent le flamenco au Canada. (Les deux premiers sites Web sont en anglais.)
Le hip hop provient des rues de New York, plus précisément de jeunes hommes hispaniques et afro-américains à la fin des années 1960. Elle s’inscrivait dans la culture hip hop du rap, de la musique scratch et de l’art graffiti. Le break dance est le style le plus connu de la danse hip hop, un style en évolution constante. Une nouvelle extension qui sort de Los Angeles est le krumping, une danse libre, provocante et très énergique dans laquelle les danseurs se touchent parfois et s’appuient l’un sur l’autre. La danse et la musique hip hop ont gagné en popularité internationale à la fin des années 1970 et sont maintenant souvent intégrées à la danse théâtrale.
L’improvisation, souvent appelée « impro », se rapporte à des mouvements créés spontanément par un ou plusieurs interprètes, avec ou sans instructions précises d’un chorégraphe. Un « jam » en improvisation dansée est comme une séance d’improvisation en musique en ce que les interprètes peuvent entrer et sortir de l’activité pendant que l’improvisation collective suit son cours. Consultez aussi la définition de l’improvisation contact.
[Website icon] The Move Collective organise des jams d’improvisation à Toronto et à Halifax, Nouvelle-Écosse.
L’improvisation contact est basée sur la relation entre deux corps en mouvement, et la force de la gravité, la vitesse, la friction et l’inertie. Steve Paxton est l’inventeur de l’improvisation contact, un style de danse qui a beaucoup influencé nombre de chorégraphes. Au Canada, Peter Bingham de Vancouver, Allen et Karen Kaeja de Toronto, Peter Ryan d’Ottawa et Andrew de Lotbinière Harwood de Montréal sont des experts de l’improvisation contact.
Le tanztheater (allemand, « danse théâtre ») est une danse mise en situation dramatique dans laquelle il y a parfois un dialogue. Ce style découle des débuts du style allemand ausdruckstanz (danse expressive) créé par by Mary Wigman. À l’heure actuelle, tanztheater est synonyme du travail de la chorégraphe Pina Bausch.
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